5new

Author: 5new

  • Книгата на художника като арт обект и животът ѝ в изкуството

    Книгата на художника като арт обект и животът ѝ в изкуството

    Книгата на художника като арт обект и животът ѝ в изкуството

    Книгата на художника е като музей, но без стените – Андре Малро

    Книгите са една от по-старите форми за споделяне на информация, идеи, приключения и разбирания за света. Книжното тяло и печатните техники, които се развиват около развитието на книгоиздаването са познати от древни времена на човечеството и никога не са спирали да се развиват през епохите. Примерите са стотици хиляди на най-различни модели, варианти, формати, принципи и съдържания. Книгата има славата на нещо не само полезно, но и с висока художествена стойност. Макар че като цяло книгоиздаването да остава в сферата на занаятите, все пак има примери, особено в света на изкуството, които са с непримирими естетически качества или са направени в много малък тираж, наръка и специално по поръчка за или от художника. 

    На 2 април се отбелязва Международен ден на детската книга. Затова не случайно избрахме точно тази дата за старт на новия сезон на 5new за 2023. Тази година ще си говорим много повече за алтернативните форми на изкуство, за книгите на художниците и за каталозите като средство за запазване на художествената памет. Към това ще добавим и видео арта, както и някои художествени коментари около новите технологии и арт-обектите като алтернатива на 2D произведенията. С други думи целта ни за 2023 г. е да се изместим от света на плоското изображение към по-скоро 3D и “моушън” средата в съвременното изкуство.      

    Ние всички започваме живота си като деца и първият ни сблъсък със света на книгата са именно детските книжки. Като алегория на това, ако приемем, че може би е добра идея за младия колекционер най-първо да се сдобие с качествени примери от света на изкуството с “книга на художника” като арт предмет, за да пораснат и станат още по-чувствителни към художествените произведения. И в допълнение да надгради с каталожни издания, които разказват историята на художника вече по един по-подреден и дори понякога енциклопедичен, научен начин.

    КНИГА НА ХУДОЖНИКА *

    *Неофициален темин на български език

    Книга на художника е термин, който се използва за произведение на изкуството, в което понякога авторът (художникът) изработва не само съдържанието и илюстрациите, но и всички други елементи на книгата. Книгата на художника, като обект, може да бъде изработена от автора-художник изцяло ръчно в един екземпляр (уникат) или произведена в ограничен тираж (до 150-200 екземпляра), използвайки техниките на авторската печатна графика , принтер, дигитален печат и други техники за малък тираж.

    Ето и малко исторически факти. Livre d’artiste (терминът на френски) е френско течение в изкуството, възникнало в началото на 20 век, главно благодарение на усилията на Амброаз Волар. Известният собственик на галерия, Маршан и издател, използвайки формата на книгата във връзка с графичните произведения на известни художници, създават по същество нов жанр, който става един от предшествениците на феномена на книгата на художника. Волар замисля и дава живот на редица високохудожествени публикации. Той привлича към тази работа много известни художници, които не са запознати с каноните на книжната илюстрация. В проекта участват велики майстори като: Бонар, Арп, Миро, Шагал, които илюстрират стихове на не по-малко известни френски автори Маларме, Верлен, Балзак.

    С развитието на Авангарда през 20 век, наред с изданията, които запазват традиционната форма на книгата, в концепцията на Книгата на художника влизат още книги-обекти, книги-пърформанси, книги на ленд-арт, реди-мейд, мейл-арт, медийно изкуство и др.

    На английски език терминът се среща още като Artists’ books (or book arts or book objects). Но, независимо от езиковата употреба, в същината си тази форма на изкуство е се състои от произведения, които използват формата на книгата и съответно запазват високата си художествена стойност като всяко друго произведение, а следват същите стандарти за опис и оценка както художествените произведения. 

    Това ще рече, че една колекционерска книга в малък тираж (или дори уникат), подобно на картините по търговете в Кристис, може да достигне много висока цена. Затова си струва от страна на колекционерите да не пренебрегват този формат (дори в някои случаи изключително удобен и компактен) в изкуството и да го разглеждат също като бъдеща инвестиция. Защото за разлика например от някои формати на Новите медийни технологии и дигиталните изкуства, книгата на художника е лесна за колекциониране и стопанисване.

    5new Blog&Podcast – В ателието на художника: осен Марковски – за образа и материала Росен Марковски представя в това видео малка част от неговите арт романи – книги на художника, по които той работи през последните години.

    *Можете да заявите своя интерес към тези произведения в нашите чатове в Messenger и WhatsApp.


    Книгата на художника винаги следва да се гледа като художествено произведение и съответно като част от художествената колекция и историческото художествено наследство.

    В месеците след юни ще допълним тази визия с концепцията за каталозите, които пък често са допълнение към кураторския живот на творбите. За разлика от книгата на художника, каталогът (макар и понякога създаден изцяло от самия художник) няма стойността на художествено произведение, а по-скоро на книжно издание и остава в областта на книгоиздаването и масовия печат. Тази разлика е важна и е съществена. Особено при желание за откупка, тъй като в единият случай – с книгата на художника, дори може (или трябва) да има придружаващ сертификат за автентичност на произведението.  

    Напрактика няма себеуважаваща се арт институция, която да не се стреми да попълни и тази ниша в репертоара си. Примери за книги на художниците има в MoMa (виж тяхната колекция тук), V&A Музей – Лондон (виж тяхната колекция тук), Галерия Тет Модерн и др.

    Но форматът не просто се развива и надгражда, а печели все повече нови почитатели в света на изкуството през така наречените Art Book Fairs – панаири за книги на изкуството, организирани още през 60те години на 20 век от нестопанската организация Printed Matters в Ню Йорк. 

    Това са събития, които по същество са хибрид между комерсиалния търговски панаир на книгата (подобно на знаменития Франкфуртски панаир) и художествената изложба. 

    Панаир за арт книги*

    *Неофициален темин на български език

    Панаир за арт книги е вид куриран художествен панаир или изложба с цел излагане, продажба и работа в мрежа между художници, създатели на художествени книги, илюстратори, писатели, специализирани печатници, независими издатели и тяхната публика. Параметрите за включване варират от панаир до панаир: някои включват само публикации, които сами по себе си се считат за предмети на изкуството, ограничени издания на книги за изкуство, произведения на творци или книги, специално посветени на тема изкуство; други са по-широки, за да включват графични романи, културни списания, творческо писане, поезия и други артистични проекти. Подобно на други панаири на изкуството, панаирът на книги за изкуството включва не само произведения за продажба, но и инсталации на артисти, проекти, събития, семинари, разговори, панелни дискусии или представяне на книги. (референция от тук)

    Ето само няколко примера от нашата практика

    В тази статия сме ви подготвили няколко примера за книги на художници от нашата сцена, както и ви предлагаме две специални издания на Илияна Кънчева от последните години.

    СТЕФАН БОЖКОВ, литофрагии по песни на Робърт Бърнс, 3 x 30 x 15, лимитирано библиографско издание, пленер “Звук и цвят”

    изображение: Изложба Русе Художествена галерия, 2015 (http://free-spirit-city.eu/)
    изображение: изложба галерия “Дом-концептуално простанство, 2023 (https://pia-news.com/)

    Кой е Стефан Боков и още негови творби можете да видите тук. Вижте също истоията на художника в нашия YouTube Channel.

    *Можете да заявите своя интерес към тези произведения в нашите чатове в Messenger и WhatsApp.


    ДЕСИСЛАВА УНГЕР, Дървени книги

    изображение: Личен архив Десислава Унгер, Instagram page
    изображение: Личен архив Десислава Унгер, Instagram page
    5new Blog & Podcast – В ателието на художника с Десислаа Унгер, архив 5new.org
    изображение: Личен архив Десислава Унгер, Facebook page

    Коя е Десислава Унгер и още нейни произведения можете да видите тук.

    J.PANK, Pank – Bang! Безобразията на 007 (съвместен проект с Калин Терзийски)

    Кой е J.PANK и още негови произведения можете да видите тук.

    В заключение можем да кажем, че книгата на художника като формат за едно произведение на изкуството не само не е за подценяване, но и е напът да натрупа още повече слава и да обърне вниманието ни към себе си в следващите години. Със сигурност е нещо, а което е добре да следим. Освен това е много подходящ формат за стартиране на колекции от по-неуверените колекционери, а за тези с повече опит дори може да се превърне в отлична инвестиция вбъдеще.

    Разбира се, панаирите на изкуството не са единственото място, където можете да намерите книги на художници. Много художници правят изложби, където рекламират и показват своите книги. Например нашите художници от 5new като Росен Марковски, Стефан Божков и Десислава Унгер (виж по-горе) са показали книгите си на различни места в България и Европа по време на различни изложби и ги показват и до днес.

    ВИЖТЕ ПРЕДЛОЖЕНИЯТА НИ ЗА КНИГИ НА ХУДОЖНИКА ЗА ДИРЕКТНА ОТКУПКА – април / юни ’23

    В тази статия сме ви подготвили две специални издания на Илияна Кънчева от последните години.

    Проект Интервюта от Маями: речник, Илияна Кънчева, 2019, книга на художника, видео арт и аудио документалистика

    Изображение: Iliyana Kancheva website, архив
    Групова изложба “EX5”, February 2019 in Centro Cultural Galileo, Madrid
    Изложба DA FEST[7] – International Festival for Digital Art, Sofia, 22-26 October 2019

    За творбата

    В художествено отношение „Интервюта от Маями: речник” се състои от три елемента.
    Първият елемент е аудиозаписът на интервютата. Аудиото се възпроизвежда на смартфон, като на дисплея му се показват английски субтитри. Пълният обем на събраните разговори е с продължителност 90 минути. Разговорите бяха изтеглени с помощта на софтуер, специално разработен от автора, базиран на средата с отворен код Open Frameworks. Ключовите думи за всяко интервю също бяха извлечени чрез този софтуер.
    Извлеченият текст е оформен в речник – книжно тяло, състоящо се от 320 страници, твърди корици, с размер 18:23 см. Речникът може да се чете, разглежда, разлиства, както всеки друг печатен предмет. Текстовото съдържание в него е представено на три езика, а преводът от единия на другия се извършва чрез платформата за механичен превод на Google Translate. Езикът на интервюирания е водещ за всяко от четирите, а преводът през страницата на Google Translate е за другите два езика. Оформлението включва също цветни и черно-бели илюстрации.
    Освен тях е внесен и третият елемент е с видео изображения на малък 10.1” видео екран, на който Илияна показва свои заснети гледки от Маями, пресъздаващи атмосферата на мястото. Звукът от тях е автентичен, изразяващ се в странични шумове и вятър, допълващи картината на самия контекст.

    По-подробен кураторски текст на Петя Чалъкова за историята зад това произведение можете да намерите тук.

    Инсталацията “Интервюта от Маями: речник” беше представена на “EX 5” – пет години електронно и експериментално изкуство, февруари/март, 2019, Културен център Галилео, Мадрид и в 0GMS – кабинет на SGHH, с куратор Даниела Радева, Март/април 2019, през октомври на DA Fest ’19, в НХА.

    Цена за пълното копие от серията (хартиено копие на книга, видео арт, аудио файл, сертификат за автентичност, подарък за спомен) – 120 BNG / 60 euro.

    ДИРЕКТНА ПОРЪЧКА чрез WHATSAPP

    Проект Извън сезона, Илияна Кънчева, 2020 – 2022, фото книга и видео арт

    Изображение: Photo book “OUT OF SEASON”, idea, photographs: Iliyana Kancheva, Design: Ralitsa Georgieva, archive by the artist, личен архив.

    За творбата

    Фотокнигата “ИЗВЪН СЕЗОНА”, дело на визуалния артист Илияна Кънчева, събира колекция от снимки, запечатали абсурдните пейзажи на курорта Слънчев бряг в необичайното му състояние – пусто и самотно, извън сезона.

    “Разхождам се по пустите улици, няма никой. Виждат се само остатъци от човешко присъствие, прилежно увити в стреч фолио и прибрани за следващия сезон. Кошчетата за боклук също са празни и гларусите не са заети с това да разпиляват кофички от сладолед наоколо, летят си спокойно над мен. Никакъв звук, освен от птиците и вятъра. Природата все още се чува някъде далеч, но почти не се вижда отвъд оградите, подстригана и сместена в тясна лента около басейна, под шезлонга. Отивам на плажа. Пясъкът и водата все още замайват с блясъка и чистота си но временните постройки са агресивен плевел… Един съсипан пейзаж, който необяснимо ме привлича и ме кара да се връщам при него винаги когато, когато остава оголен и сам – извън сезона.”

    Морето едва се вижда на снимките в “Извън сезона”, има го само на три снимки. Това е така, защото авторката е с гръб, докато снима акцентите на човешкото отсъствие.

    Книгата на художника е свързана с видеоклип със заимстван текст от рекламен филм за Слънчев бряг от 1977 г. Текстът е преведен от художника и глас, генериран от бот. В много силен контраст с тази реклама, видеото показва една празна не само от вниманието на хората, но и от смисъл и значение хуманизирана зона, която просто съществува за удоволствие на своите посетители.
    Като противопоставяне на това е природата, която успокоява, говори с художника и показва най-добрата страна на тази природна зона, когато не е в сезона.

    Проектът е допълнение и донякъде продължение на вече представените от Илияна творби в изложбата Party Animal. Можете да припомните 5те селeктирани работи тук, с придружаващия към изложбаа кураторски текст на Петя Чалъкова.

    Цената за пълното копие от серията (книга на хартиен носител, видео арт, сертификат за автентичност, подарък за спомен) – 100 BNG / 50 euro.

    Можете също така да комбинирате произведенията на изкуството с другите произведения на изкуството от изложбата Party Animals В СЕЗОННО НАМАЛЕНИЕ – 50%.
    – Всички творби от колекцията Party Animals: серия 1/10, фотопринт, 2021, 25×25 см, рамкирани, принт върху текстил, 160×80 см, – 150 BNG / 75е (с изображение от колекция по избор на купувача). Вижте колекцията тук.

    ДИРЕКТНА ПОРЪЧКА чрез WHATSAPP
  • The meaning behind the Artist’s books

    The meaning behind the Artist’s books

    The meaning behind the Artist’s books

    “An art book is a museum without walls.” —André Malraux

    Books are one of the older forms of sharing information, ideas, adventures and understandings of the world. The body of books and the printing techniques that developed around the development of book publishing have been known since ancient times to mankind and have never stopped developing through the ages. The examples are hundreds of thousands of different models, variants, formats, principles and contents. The book has the glory of something not only useful, but also of high artistic and cultural value. While book publishing generally remains in the craft realm, there are still examples, particularly in the art world, that are of uncompromising aesthetic quality or are made in very small numbers, hand-made, and specially commissioned for or by the artist.

    April 2 is the International Children’s Book Day. Therefore, it is not by chance that we have chosen this exact date for the start of the new season of 5new for 2023. This year we will talk much more about alternative art forms, about artists’ books and about art catalogs as a means of preserving artistic memory. To this we will also add video art as well as some artistic commentary around new technologies and art objects as an alternative to 2D works. In other words, our goal for 2023 is to shift from the flat image world to a more 3D and “motion” medium in contemporary art.

    We all start our lives as children and our first encounter with the world of books is children’s books and the amazing stories that they unveil. As an allegory of this, if we consider that it might be a good idea for the young collector to first acquire quality examples from the art world with an “artist’s book” as an art object, it helps them a lot during their growth and understanding of the art pieces. And in addition to this to upgrade with catalog editions that tell the story of the artist but in a more ordered and even sometimes encyclopedic, scientific in some cases, way.

    THE ARTIST’S BOOK

    An artist’s book is a term used for a work of art in which the author (artist) sometimes creates not only the content and illustrations, but also all other elements of the book. The artist’s book, as an object, can be made by the author-artist entirely by hand in one copy (unique) or produced in a limited edition (up to 150-200 copies) using the techniques of the author’s printed graphics, printer, digital printing and other techniques for a small print run.

    Here are some historical facts regarding the artist’s books. Livre d’artiste (the term in French) is a French movement in art that arose in the early 20th century, mainly thanks to the efforts of Ambroise Vollard but also most writers on the subject cite the English visionary artist and poet William Blake (1757–1827) as the earliest direct antecedent. 

    The famous gallery owner  Ambroise Vollard, Marchand, and a publisher, using the book format in conjunction with the graphic works of famous artists, created essentially a new genre that became one of the precursors of the phenomenon of the artist’s book. Vollard conceives and brings to life a number of high-art publications. He attracts to this work many famous artists who are not familiar with the canons of book illustration. The project involves great masters such as: Bonnard, Arp, Miró, Chagall, who illustrate poems by no less famous French authors Mallarmé, Verlaine, Balzac. (referenced from here)

    With the development of the Avant-Garde in the beginning of the 20th century, along with the editions that preserve the traditional form of the book, the concept of the Artist’s Book also includes books-objects, books-performances, books of land-art, ready-made, mail-art, media art etc.

    In English, the term is also found as Artists’ books (or book arts or book objects). But regardless of linguistic usage, at its core this art form consists of works that use the book shape and accordingly retain their high artistic value as any other work, and follow the same standards of inventory and evaluation as works of art.

    This means that a small edition collector’s book (or even a one-of-a-kind), like paintings at Christie’s auctions, can command a very high price. Therefore, it is worthwhile for collectors not to neglect this format (even in some cases extremely convenient and compact) in art and to consider it also as a future investment. Because unlike, for example, some formats of New Media and Digital Arts, the artist’s book is easy to collect and manage, especially for non-professionals.

    5new Blog&Podcast – Artists talk with Rosen Markovski – for the image and the material. Rosen is presenting in this part his art novels – artist’s books on which he is working during the years of his professional career.

    *You can purchase this art piece directly via our communication channels in Messenger and WhatsApp.


    The artist’s book should always be seen as a work of art and, accordingly, as part of the art collection and historical art heritage.

    In the months after June, we will complement this vision with the concept of catalogs, which are often an addition to the curatorial life of the works. Unlike the artist’s book, the catalog (although sometimes created entirely by the artist himself) does not have the value of a work of art, but rather of a book publication and remains in the field of book publishing and mass printing. This difference is important and essential. Especially if a purchase is desired, since in one case – with the artist’s book, there may (or should) even be an accompanying certificate for authenticity of the work.

    In practice, there is no self-respecting art institution that does not strive to fill this niche in its repertoire. Examples of artists’ books are at MoMa (see their collection here), V&A Museum – London (see their collection here), Tate Gallery, etc. 

    But the format is not just developing and upgrading, but gaining more and more new admirers in the art world through the so-called Art Book Fairs – organized as early as the 60s of the 20th century by the non-profit organization Printed Matters in New York. These are events that are essentially a hybrid between a commercial book fair (like the one in Frankfurt)  and an art exhibition.

    THE ART BOOKS FAIRS

    An art book fair is a type of curated art fair or exhibition for the purpose of exhibiting, selling, and networking among artists, art book creators, illustrators, writers, specialty printers, independent publishers, and their audiences. The parameters for inclusion vary from fair to fair: some include only publications that are considered art objects in themselves, limited editions of art books, works by artists or books specifically devoted to the subject of art; others are broader to include graphic novels, cultural magazines, creative writing, poetry, and other artistic projects. Like other art fairs, the Art Book Fair includes not only works for sale, but also artist installations, projects, events, workshops, talks, panel discussions or book launches. (referenced from here)

    Here are only few examples from our practice

    STEFAN BOZHKOV, Lithographs of songs by Robert Burns, 3 x 30 x 15, Limited bibliophile edition, Plein air “Sound and Color”

    Image: Exhibition, Ruse Fine art gallery, 2015 (http://free-spirit-city.eu/)
    Image: Exhibition Gallery “Home – conceptual space”, 2023 (https://pia-news.com/)

    Who is Stefan Bozhkov and more artworks by him you can see here or you can see the artist’s story in our YouTube Channel here

    *You can purchase this art piece directly via our communication channels in Messenger and WhatsApp.


    DESISLAVA UNGER, Wooden books

    Image: Archive by Desislava Unger, Instagram page
    Image: Archive by Desislava Unger, Instagram page
    Image: Archive by Desislava Unger, Facebook page

    Who is Desislava Unger and more artworks by her you can see here.

    J.PANK, Pank – Bang! The Abominations of 007 (joint project with Kalin Terziyski)

    Who is J.PANK and more from his work you can see here.

    In conclusion, we can say that the artist’s book as a format for a work of art is not only not to be underestimated, but is also on its way to gain even more fame and draw our attention to itself in the coming years. It’s certainly something to keep an eye on. It is also a very suitable format for starting collections by the more inexperienced collectors who are yet not sure what to invest into, and for those with more experience it can even become an excellent investment in the future.

    Of course the art fairs are not the only place where you can find the artists books. Many artists are making exhibition where they promote and show their books. For example the 5new artists Rosen Markovski (see above), Stefan Bozhkov and Desislava Unger have shown their artist’s books in various places around Bulgaria and Europe.

    SEE OUR ARTIST’S BOOK PROPOSALS FOR DIRECT PURCHASE – April / June ’23

    In this article, we have prepared for you several examples of books by artists from our scene, as well as offer you two special editions of Iliyana Kancheva from recent years.

    Project Interviews from Miami: a dictionary by Iliyana Kancheva, 2019, artist’s book, video art & audio documentary

    Image: Iliyana Kancheva website, archive (https://creationbydestruction.com/)
    The installation during the group exhibition “EX5”, February 2019 in Centro Cultural Galileo, Madrid
    The work during DA FEST[7] – International Festival for Digital Art, Sofia, 22-26 October 2019

    About this art work

    In terms of its artistic presentation, “Interviews from Miami: a dictionary” consists of three elements.
    The first element is the audio recording of the interviews. The audio is played on a smartphone, with English subtitles running on its display. The full volume of collected conversations is 90 minutes long. Conversations were downloaded using software specially developed by the author, based on the Open Frameworks open source environment. The key words for each interview were also extracted through this software.
    The extracted text is formed in a dictionary – a book body consisting of 320 pages, hard covers, with a size of 18:23 cm. The dictionary can be read, viewed, leafed through, like any other printed object. The textual content in it is presented in three languages and the translation from one language to the other is done through the mechanical translation platform of Google Translate. The interviewee’s language is the guide for each of the four interviews, and translation via the Google Translate page is for the other two languages. The layout also includes color and black and white illustrations.
    In addition to them, the third element was brought in – a small 10.1” video screen, on which Iliyana shows her filmed views of Miami, which recreate the atmosphere of the place. The sound from them is authentic, expressed in side noises and wind, complementing the picture of the context itself.

    More detailed curatorial text by Petya Chalakova about the story behind this art piece you can find here (available only in BG).

    The installation “Interviews from Miami: a dictionary” was presented at “EX 5” – five years of electronic and experimental art, February/March, 2019, Cultural Center Galileo, Madrid and at 0GMS – cabinet at SGHH, with curator Daniela Radeva, March/April 2019, in October it will also be available for visitors to DA Fest ’19, at the National Academy of Arts.

    The price for the full copy from the series with the extension files (hard copy book, video art, audio file, certificate for authentication, memory gift) – 120 BNG / 60 euro.

    make DIRECT order via WhatsApp

    Project Out of season by Iliyana Kancheva, 2020 – 2022, photo book & video art

    Image: Photo book “OUT OF SEASON”, idea, photographs: Iliyana Kancheva, Design: Ralitsa Georgieva, archive by the artist

    About this art work

    Тhe photo-book “OUT OF SEASON”, created by the visual artist Iliyana Kancheva. It gathers a collection of photographs capturing the absurd landscapes of Sunny Beach resort in its unusual state – deserted and lonely, out of season.

    “I walk through the deserted streets, there is no one. Only remnants of human presence are visible, neatly wrapped in stretch film and put away for the next season. The trash cans are empty too and the gulls are not busy scattering ice cream buckets around, they fly peacefully above me. No sound except from the birds and the wind. Nature can still be heard somewhere in the distance, but it’s barely visible beyond the fences, clipped and blended into a narrow band around the pool, under the plastic chaise-longue”

    The sea is barely visible in the pictures in “Out of Season”, it is there in only three pictures. This is because the author has her back to it while photographing the highlights of human absence.

    The Artist’s book is connected to the a video with borrowed text from an advertisement movie about Sunny Beach from 1977. The text was translated by the artist and voice generated by a bot. In the very strong contrast with this commercial, the video is showing one empty not only from people attention but also from sense and meaning humanized area, that is simply existing for the pleasure of its visitors.
    As juxtapose of this is the nature surroundings, calming, speaking to the artist and showing the best side of this natural area when it is off season.

    The project is a supplement and somewhat a continuation of the works already presented by Iliyana Kancheva in her exhibition Party Animal. A quick reminder of the 5 selected works presented last year on our website you can find here with the curatorial text by Petya Chalakova.

    The price for the full copy from the series with the extension files (hard copy book, video art, certificate for authentication, memory gift) – 100 BNG / 50 euro.

    You can also combine the art pieces with the other artworks from the exhibition Party Animals NOW ON SEASONAL SALE – 50%.
    – All the art works from the collection Party Animals: series 1/10, photo print, 2021, 25×25 cm, framed, print on textile, 160×80 cm, price 75 (with image from the collection by customer choice). See the collection here

    make DIRECT order via WhatsApp
  • #Art_In_Context – изложба и мастърклас за любителите на изкуството и интериорния дизайн

    #Art_In_Context – изложба и мастърклас за любителите на изкуството и интериорния дизайн

    Проект, който представя пет художнички от Бреда в привлекателен интериорен контекст

    От 2 до 4 март и много близо до международния ден на жената, екип от художници прави изложба на 10 оригинални произведения на изкуството в сърцето на Бреда, в пространството Brandpunt на Reigerstraat 16. Идеята зад проекта е да се повиши отново вниманието върху темата за неразривната връзка между изкуството и интериорния дизайн.

    Художниците, които представяме

    Проектът е по инициатива на двама професионалисти на свободна практика и пет художнички, всички работещи и живеещи в Бреда и региона на Северен Брабант. Фемке Батен, която е интериорен дизайнер, е със запретнати ръкави, за да подготви най-добрите контексти за специално подбраните произведения на изкуството, а Петя Чалъкова като арт куратор ръководи процеса по експозицията. Петте художнички, които са предсавени в рамките на проекта са Melanie Drent, Evi Hogervorst, Hanneke de Leeuw, Daphne Schrijver, Liesbeth Godrie. 

    „Всички те са много различни в своето светоусещане и подход към изкуството си и в същото време се допълват по прекрасен начин в този проект. Имаме голям късмет, че успяхме да привлечем толкова разнообразна група от артисти, така че да има какво да се види от посетителите.“ казва екипът зад този проект.

    Catalogue_Art In Contex (Booklet FINAL) by zeleni limoni

    Разгледайте каталога към проекта, с биографиите на 5те художнички (на английски и холандски език).

    Арт-срещи

    За да споделят този късмет с публиката, организаторите са предвидили поредица от Арт-срещи с художничките на място, където в продължение на 30 минути всеки, който се интересува, може да се срещне лично и да поговори с артистите на различни теми като “Как се прави рециклирана керамика”, “Какво е тайната зад картина, направена с маслени бои”, “Как текстилът може да бъде идеалният инструмент за създаване на произведение на изкуството” и др.


    Мастърклас с практически съвети

    В допълнение към откритата изложба, #Art_in_Context също така дава възможност на публиката да участва в напълно безплатен майсторски клас по темата за интериорния дизайн и как да разполагаме изкуството в него. Практическите съвети се отнасят както към личната среда, така и към професионалните пространста (офиси, кабинети…). Има някои много горещи теми, които ще бъдат разгледани по време на тази интерактивна сесия от два часа и половина, като темата за светлината и цветната палитра, рамкиране, размери и много други. Но трябва да побързате да се запишете, тъй като местата са ограничени до 15 и се прилага правилото „първо обаждане, първи обслужване“.

    Добрата новина е, че организаторите обещават и онлайн опция за участие, която също има ограничение на интерактивното изживяване. Така че, ако планирате да бъдете в центъра на Бреда на 4 март, между 11 и 13 часа, по-добре резервирайте безплатното си място за сесията на живо още днес или се запишете за онлайн версията. Събитието е отворено за всички, които се интересуват от темата за комбинирането между интериорния дизайн и изкуство, както и за тези, които просто искат да изследват и да се справят с темата, за да видят как малките решения като черно или бяло рамкиране всъщност могат променя напълно голямата картина.

    “Имаме много други идеи за комбинирането на двете теми – изкуство и среда, които бихме искали да представим на обществеността, така че пилотният проект да ни покаже посоката и чрез обратната връзка от посетителите, които се надяваме да са много активни, ще знаем следващия си приоритет по темата . Така че, моля, заповядайте в Brandpunt от 2 до 6 март и нека започнем разговора за сближаването между изкуството и интериора” – апелира екипът.

    поръчайте видео запис на мастъркласа


    INFO

    The project #Art_in_Context won’t be possible without the kind financial support from the Subsidie Cultuure from Gemeente Breda and all other partners.

    https://www.facebook.com/events/550869743474846

    Follow the project here: 

    https://www.instagram.com/bredakunst/

    https://www.facebook.com/BredaKunstArtGalleries

  • #Art_In_Context – showcase and Masterclass for art and interior lovers

    #Art_In_Context – showcase and Masterclass for art and interior lovers

    A project which presents five female artists from Breda in eye-catching interior context

    From 2nd to 4th of March and very close to the international women’s days, a team of artists is making a display of 10 original artworks in the heart of Breda, at Brandpunt space on Reigerstraat 16. The idea behind the project is to raise once again the topic of the unbreakable connection between art and interior design. 

    The Artists & the Showcase

    The project is runned by two freelance professionals and five female artists, all working and living in Breda and the region of North Brabant. Femke Baten who is interior designer is with sleeves up to prepare the best settings for the specially selected art works and Petya Chalakova as an art curator is managing the process of the art display. The five presented artists are Melanie Drent, Evi Hogervorst, Hanneke de Leeuw, Daphne Schrijver, Liesbeth Godrie. 

    “They are all very different in their art impression and at the same time they compliment each other in a lovely manner, in this project. We are very lucky we could attract such a diverse group of artists, so that there is a lot to be seen by the visitors.” says the team behind this project. 

    Catalogue_Art In Contex (Booklet FINAL) by zeleni limoni

    Artists Talks

    To share this luck with the public, the organisers have planned series of Artists Talks at the spot where for 30 minutes everyone who are interested can meet in person and talk with the artists on various topics such as “How is made a recycled pottery”, “What is the secret behind a painting made with oil paint”, “How the textile can be the perfect tool to create an art piece” and more. 


    Masterclass

    In addition to the open display which everyone can visit and explorer, #Art_in_Context is also giving the public the opportunity to participate in a completely free of charge Masterclass on the topic of Interior design and how to display art in your own environment. There are some very hot topics which will be covered during this two and half hours interactive session such as light and colour pallets, framing, sizes and more. But you should be fast to sign for you as the sites at the spot are limited to 15 and the rules is “first call, first served”. The good news is that the organizers are also promising an online option for participation, which is also holding some limitation of the interactive experience. So, if you plan to be at Breda centre on 4th of March, between 11h and 13h, better reserve your free spot for the live session already today or sign up for the online version. The event is open for everyone who are interested in the topic of the cross section between interior design and art, and also for those who are just looking to explore and tackle the topic, to see how small decisions such as black or white framing can actually completely change the big picture. 

    “We have many other art and environment ideas which we would love to present to the public, so that pilot project will show us the direction and through the feedback from the visitors which we hope will be alot, we would know our next priority on the topic. So please, come to Brandpunt from 2 to 6th of March and let’s open the conversation about the convergence between art and the interior” – appeals to the team.

    order THE MASTERCLASS recording


    INFO

    The project #Art_in_Context won’t be possible without the kind financial support from the Subsidie Cultuure from Gemeente Breda and all other partners.

    https://www.facebook.com/events/550869743474846

    Follow the project here: 

    https://www.instagram.com/bredakunst/

    https://www.facebook.com/BredaKunstArtGalleries

  • ПОКАНА ЗА УЧАСТИЕ

    ПОКАНА ЗА УЧАСТИЕ

    – към институции, професионалисти, експерти и частни лица

    Несъмнено притежанието на колекция от художествени произведения е голямо богатство. Пради това бихме искали да ви поканим и приканим да споделите с нас до края на 2023 г. историите зад вашите частни или нечастни колекции от произведения на изкуството.

    Изпратете ни вашите коментари като прикачен файл (със или без изображения) върху следните въпроси, свързани с колекция, която притежавате или с която работите на artpodcast [at] 5new.org , през WhatsApp или Facebook Messenger:

    • Коя беше първата ви покупка на произведение на изкуството и кога? Как го избрахте и защо? Кой е авторът, датирано ли е, какъв е размерът…?
    • Бихте ли искали да станете колекционер на изкуство, ако все още не сте и какво ви спира, какво още ви липсва, за да бъдете такъв?
    • Колко произведения на изкуството бихте искали да имате или вече имате в дома/офиса си? Достатъчно ли са за вас или може би са твърде малко , а дали не и твърде много…?

    Кажете ни всичко останало, което бихте искали да споделите с други любители на изкуството с подобни възгледи и можете да получите от нас подарък – безплатна двуезична публикация на вашата история в нашия блог и сред нашите публични канали. Освен по-широка видимост, това ви дава и по-нататъшно признание на вашата текуща или бъдеща колекция и потенциално може да повиши значително нейната стойност. За вдъхновение вижте примерните видео истории по-долу.

  • OPEN CALL

    OPEN CALL

    – for institutions, professionals, experts and private bodies.
    Given the above, we would like to encourage you to share with us the stories behind your private or non-private art collections. The Open call is Ongoing project for the time in 2023.

    Send us your comments as an attachment (with or without images) of your collection at artpodcast [at] 5new.org , via WhatsApp or Facebook Messenger on the questions:

    • Which was your first art work purchase and when? How did you choose it and why? Who is the author, is it dated, what is the size…?
    • Would you like to become an art collector, if you are not yet and what is stopping you, what more you need to be one?
    • How many art works would you like to have or already have in your home / office? Is it enough for you, or too little or perhaps too much…?

    Tell us everything else that you would like to share with other like minded art lovers and we will make bilingual free of charge publication of your story in our blog and among our public channels. That could give you a later on further recognition of your current or future collection and potentially rise its value up significantly. For inspiration see the example video stories below.

  • Борис Горинов в света на миниатюрите

    Борис Горинов в света на миниатюрите

    Българският художник-живописец, с една от най-големите колекции от миниатюри в Европа, ще представим онлайн в платформата за българско и световно изкуство 5new до средата на декември.

    Новото поколение публика вероятно малко знае за живописеца Борис Горинов, но той остава добре разпознат сред колекционерите у нас и в чужбина и особено сред почитателите на акрила и маслото в миниатюра. Художникът развива кариерата си в годините между Втората световна война и края на Студената война. Заедно със съпругата си, известната българска керамичка Йова Раевска, прави редица запомнящи се и емблематични съвместни изложби, както и много смели артистични проекти, предимно с природни елементи – борови кори, шишарки, камъчета, кактуси и др., извън пределите на страната. Колкото по-малък се оказва размерът на плочката, на която Борис разполага своята миниатюра, толкова по-богат и дълбок става светът, видян през четката му. 

    Способността на художника да събере една цяла картина в един сантиметър плочица е свидетелство не само за неоспоримия му талант, но и за начина, по който този творец е гледал на света – „като една човешка длан“. Борис Горинов остава космополитна личност до самия си край през 1998 г., като завещава на семейството си и на българската публика една впечатляваща колекция живопис в миниатюри, които спокойно могат да се конкурират със световните шедьоври, твърдят експертите изкуствоведи. Колекцията на художника е прилежно съхранена от неговото семейство, а броят на малките образи и пейзажи надхвърля хиляда. 

    Борис Горинов е от Пазарджик, роден е през 1915 г. и израства в семейството на художника Иван Гуринов – живописец, портретист, живял от края на 19 век и до средата на 20 век. Борис е роден с четка в ръка и пътят към и от изкуството винаги е бил негова съдба, а и любов. Именно тази любов вероятно го събира с Йова Раевска през 1944 г., с която имат двама сина.

    Борис Горинов, детайл, Слънчогледи, маслени бои, създадена в периода 1960 – 1980, 10×12 cm

    Първите романтични срещи с Йова Раевска се случват не къде да е, а именно в ателиетата на НХА, където Йова учи Керамика, а Борис – Живопис. Пламналата любов между двамата артисти дава старт на една бурна и активна обществена и творческа кариера. След няколко години учителстване в Пазарджик, двойката се мести в София и заживява в ателие на бул. Сливница, което по-късно се превръща в бохемски дом за художническите компании на по-малкия им син Крас Горин, който уверено тръгва по стъпките на родителите си като професионален художник. Крас завършва художествено училище в Италия и до днес живее и твори в САЩ със семейството си. Крас съчетава талантите, наследени от майка му и баща му и се отдава активно на живописната мозайка и изкуството на открито. Той за разлика от баща си, се насочва към по-монументалната форма. Интересът към мозайката при Крас е разбуден именно от Борис Горинов. От своя страна, бащата покрай честите семейни посещения и гостувания в САЩ, успява да направи няколко самостоятелни изложби във Великобритания, Италия и САЩ, след падането на Желязната завеса. 

    Междувременно Борис и Йова успяват да си построят малка къща в отдалечен квартал от центъра на София, къде се отдават освен на изкуството и на едно от най-любимите си занимания – отглеждането на малка зеленчукова градина.

    Борис Горинов, Синеморец, акрил, съдадена в периода 1960 – 1980, 30×30 cm

    За разлика от Йова Раевска, която развива шеметна кариера като творец и общественик чак до началото на новия век, за Борис живописта не се превръща в професионално поприще. Той избира да се отдаде на учителстването по Изобразително изкуство в едно столично училище и преди всичко на отглеждането на двете им момчета. Именно поради факта, че за Борис Горинов миниатюрите са по-скоро хоби, той прави едни от най-значимите си творби точно през пролетно-летните месеци, когато обичайно двойката е на вилата край морето. Морската тематика и въобще природата в България, с всички тези неповторими възвишения и преливащи се цветове и нюанси вдъхновява Борис да създава миниатюри със зашеметяваща дълбочина. Малката къща в дивото и ненаселено по онова време морско селце Синеморец е била разположена до огромни просторни поляни, които позволяват на художника да се свърже с природата и да черпи идеи от корена ѝ.

    В колекцията, която сме подбрали да ви покажем на сайта 5new в следващите няколко седмици ще видите именно такива творби, вдъхновени от Балкана и нашето Черноморие. Но Борис Горинов не ограничава въображението на публиката само до нашия ареал. След едно знаково посещение на Аризонската пустош, Йова и Борис си тръгват като оставят след себе си идеално поддържана и развита зеленчукова градинка, за която Йова прави кашпите, а Борис поредица от натюрморти с много плодово-зеленчуково звучене.

    Борис Горинов, Зеленчуци, акрил, създадена в периода 1960 – 1980, 30×30 cm

    Въпреки многобройните си пътувания из Европа и САЩ, неговата страстна любов към България остава основен извор на вдъхновение. Тази силна връзка със страната остава вкоренена в самите картини. До края на живота си той таи най-дълбоки чувства, а  привързаността му към красивата природа в България остава непоколебима. “Новият свят, с негото лустро и прогрес не успяват да увлекат Борис до последния му ден.”, свидетелстват неговите близки. В България няма нужда да караш часове наред за да видиш красива гледка или възхитителни планински върхове. В контраст с Америка, където всяко пътешествие е обвързано с много време, ресурси и пари, в България в една картина и без никакви усилия творецът съзерцава пъстри картини от бреговете на Дунав и Черно море, върховете на Родопите, Пирин и Витоша, безгранични поляни и бурни реки. Именно този свят, без граници в палитрата, художникът е виждал и го е събирал в своите миниатюри – толкова малки и същевременно толкова дълбоки и изпълнени с настроение.

    Стилът на Борис Горинов се отличава с характерни ежедневни буквалистични сюжети, но в същото време и с метафорични послания. Един от ключовите елементи в картините е чувството за хумор и лекотата, с които той пресъздава света около себе си. Това проличава и от заглавията на някои от творбите. Сред запазените картини освен тези на пейзажни гледки, хранителни продукти и зеленчуци, кактусите от Аризона, са и случайни портрети на запомнени от самия него лица. „Баща ми беше невероятен физиономист“, казва Крас Горин в автобиографично интервю, проведено през 2021 г. от екипа на 5new. Лесно доказуемо и видимо свидетелство за това твърдение е една истинска находка в творчески и исторически план – малко скицниче с портрети на войници, с които случайно се е срещал в годините от войната. 

    В колекцията от миниатюри има творби с размери от пощенска марка до 30х30 см. В по-ранните си години, художникът има запазени няколко портрета на платно с по-големи размери (100х100 см.), но на по-късен етап Горинов никога не се завръща към този формат. 

    Творби и детайли от Борис Горинов, създадени в периода 1960 – 1980 – Гледка, акрил, 10×11 cm, Слънчогледи, маслени бои, 10×12 cm, Пролет, маслени бои, 10×10 cm, Лъчи, маслени бои, 9×13 cm.

    Характерното за неговото творчество е, че въпреки малкия им размер, творбите позволяват и дори налагат да се гледат от далеч, за да възприеме цялостната картина на пейзажа и сложната композиция. Това са големи сюжети, вкарани в много малък мащаб. Самият Борис като художник твори напълно освободено от тенденциите на времето, в което се развива. Неговият подход е новаторски. Рисува с шпатула и маслени бои върху различни плоски повърхности, които често дори прави и сам. Като платно използва почти всякакви плоскости – от дърво и метал, до картон и тензух.   

    Подбраните творби за платформата 5new ще бъдат достъпни в следващите седмици по средата на декември за директна поръчка. Произведенията са предоставени от Ейми Чапман – настоящ собственик на семейната колекция и внучка на Борис Горинов и Йова Раевска. Всички творби са оригинал, уникати и притежават сертификат за автентичност. Възможна е допълнителна поръчка за рамкиране.

    Борис Горинов, Стара планина, акрил, създадена в периода 1960 – 1980, 15×21 cm

    Научете повече как можете да се сдобиете с красива миниатюра и да се превърнете в част от близо 100 годишната история на тази внушителна колекция.

  • BORIS GORINOV’s WORLD OF MINIATURES

    BORIS GORINOV’s WORLD OF MINIATURES

    The Bulgarian artist-painter, who has produced one of the largest collections of miniatures in Europe, will be presented online on the platform for Bulgarian and world art 5new until mid-December.

    The new generation of the public probably knows little about the painter Boris Gorinov, but he remains well known among collectors at home and abroad, and especially among fans of acrylic and oil in miniature format. The artist developed his career in the years between World War II and the end of the Cold War. Together with his wife, the famous Bulgarian ceramist Yova Raevska, he has a number of memorable and emblematic joint exhibitions, as well as many bold artistic projects, mostly with natural elements – cork, seashell, pine cones, pebbles, cacti and etc., outside the borders of the country. The smaller the size of the tile on which Boris places his miniature, the richer and deeper the world seen through his brush becomes.
    The ability of the artist to collect a whole composition into a one centimeter template is a testimony not only to his undeniable talent, but also to the way he looked at the world – knowing it “like the back of his hand”. Boris Gorinov remained a cosmopolitan personality until he passed in 1998, bequeathing to his family and the Bulgarian public an impressive collection of miniature paintings that can easily compete with world masterpieces, say expert art critics. The artist’s collection is being looked after by his family and miniature paintings exceed a thousand.
    Boris Gorinov, born in 1915 is from Pazardzhik and son of Ivan Gurinov –the painter, portraitist, who lived from the end of the 19th century to the middle of the 20th century. Boris was born with a brush in his hand, and the path to and from art has always been his destiny and love. It was this love that likely brought him together with Yova Raevska in 1944, with whom he had two sons.

    Boris Gorinov, detail, Sunflowers, oil paint, undated / creative period 1960 – 1980 /, 10×12 cm

    The first romantic meetings with Yova Raevska happened not just anywhere, but namely in the National Artist’s Academy (NAA) studios, where Yova studied Ceramics and Boris – Painting. The passionate love between the two artists gave rise to a stormy and active public and creative career. After several years of teaching in Pazardzhik, the couple moved to Sofia and lived in a studio on Slivnitsa Blvd., which later became a bohemian hotspot for the artistic cohorts of their younger son, Kras Gorin, who confidently followed in his parents’ footsteps as a professional artist. Kras graduated from art school in Italy and now lives and works in the USA with his family. Kras combined the talents inherited from his mother and father and actively devoted himself to mosaic painting and outdoor art. He, unlike his father, tends towards the more monumental form, though interest in mosaics was awakened precisely by his father, Boris Gorinov. In addition to frequent family visits to the USA, Boris managed to hold several solo exhibitions in Great Britain, Italy and the USA, after the fall of the Iron Curtain.

    In the meantime, Boris and Yova manage to build a small house in the foothill outskirts from the center of Sofia, where they devote themselves, in addition to art, to one of their favorite activities – growing a small vegetable garden.

    Boris Gorinov, Sinemoretz, acrylic, undated / creative period 1960 – 1980 /, 30×30 cm

    Unlike Yova Raevska, who developed a noteworthy career as an artist and public figure until the beginning of the new century, painting did not become a professional field for Boris. He chose to devote himself to teaching Fine Art in a metropolitan school and, above all, to raising their two boys. For Boris Gorinov, miniatures are more of a hobby and he makes some of his most significant works precisely in the spring and summer months, when usually he and Yova are at their villa by the sea. The marine theme and nature in Bulgaria in general, with all these unique elevations and iridescent colors and shades, inspires Boris to create miniatures with stunning depth. The small house in the wild and at that time uninhabited Black Seaside village of Sinemorets was located right on the Turkish border and next to huge spacious meadows that allowed him to connect and be inspired by nature’s surroundings.

    In the collection that we have chosen to show you on the 5new site in the next few weeks, you will see precisely such works, inspired by the Balkans and our Black Sea. But Boris Gorinov does not limit the audience’s imagination only to our area. After a landmark visit to the Arizona wilderness, Yova and Boris depart, leaving behind a perfectly manicured and developed vegetable garden, for which Yova makes the planters, and Boris a series of still lifes with very fruit and vegetable tones.

    Boris Gorinov, Vegitables, acrylic, undated / creative period 1960 – 1980 /, 30×30 cm

    Despite his many travels around Europe and the USA, his passionate love for Bulgaria remains a major source of inspiration. This strong connection to the country remains rooted in the paintings themselves. Until the end of his life, he harbored the deepest feelings, and his attachment to the beautiful nature in Bulgaria remained unshakable. “The new world, with its luster and progress, failed to attract Boris even to his end of days,” testify his relatives. In Bulgaria, you don’t need to drive for hours to see a beautiful view or amazing mountain peaks. In contrast to America, where every journey is tied to a lot of time, resources and money, in Bulgaria, in one picture and without any effort, the artist contemplates colorful pictures from the banks of the Danube and the Black Sea, the peaks of the Rhodopes, Pirin and Vitosha, boundless meadows and turbulent rivers. It was this world, without limits in the palette, that the artist saw and captured in his miniatures – so small and at the same time so deep and full of mood.

    Boris Gorinov’s style is distinguished by characteristic everyday literalistic plots, but at the same time with metaphorical messages. One of the key elements in the paintings is the sense of humor and ease with which he recreates the world around him. This is also evident from the titles of some of the works. Among the preserved paintings, in addition to those of landscape views, food products and vegetables, cacti from Arizona, there are occasional portraits of faces he himself remembered. “My father had an amazing talent for physiognomy,” says Kras Gorin in an autobiographical interview conducted in 2021 by the 5new team. An easily provable and visible testimony to this statement is a real find in creative and historical terms – a small sketchbook with portraits of soldiers whom he happened to meet during the war years.

    In the collection of miniatures there are works with the size of a postage stamp up to 30×30 cm. In his earlier years, the artist has preserved several portraits on canvas of larger sizes (100×100 cm), but at a later stage Gorinov never returns to this format.

    Artworks by Boris Gorinov – View, acrylic, undated / creative period 1960 – 1980 /, 10×11 cm, Sunflowers, oil paint, undated / creative period 1960 – 1980 /, 10×12 cm, Spring, oil paint, undated / creative period 1960 – 1980 /, 10×10 cm, Rays, oil paint, undated / creative period 1960 – 1980 /, 9×13 cm,

    The characteristic of his work is that, despite their small size, the works allow and even require to be viewed from afar in order to perceive the overall picture of the landscape and the complex composition. These are big plots brought in on a very small scale. Boris himself as an artist paints completely freed from the trends of the time in which he develops. His approach is innovative. He works with a spatula and oil paints on various flat surfaces, which he often even makes himself. As a canvas, he uses almost any surface – from wood and metal, to cardboard and canvas.

    Selected works for the 5new platform will be available in the coming weeks in mid-December for direct order. The works were provided by Amy Gorin Chapman – current owner of the family collection and granddaughter of Boris Gorinov and Yova Raevska. All works are original, unique and have a certificate of authenticity. Additional custom framing can be ordered.

    DIRECT PURCHASE


    Boris Gorinov, The Balkans, acrylic, undated / creative period 1960 – 1980 /, 15×21 cm

    Learn more on how to purchase these beautiful miniatures and become a part of the almost 100 years old collection’s history here.

  • По следните на българското изкуство из Европа

    По следните на българското изкуство из Европа

    Част 2

    На 6ти юли рано сутринта, натоварени с багажи, подръчни средства за правене на „автентично“ по нашите разбирания документално кино и трите чисто нови лампи, нагласихме GPSа към Херенталс. И по пътя заваля. А в плановете все още беше в същия ден да посетим и скулптурния парк, разположен на десетина километра от арт центъра в Херенталс. Дали щяхме да успеем? Добре, че бързо се сетихме да извадим талисмана на това пътуване – Розовият облак на Рада Якова, който бързо разчисти пътя пред нас и направи следобедът ясен и слънчев. Знаехме, че  облаците и дъждът са само в наша полза. Мекото слънце нямаше да изгори кадрите, а измитите  добре скулптури щяха да бъдат още по-внушителни, в комбинация със свежия аромат на влажната трева.

    “Скръб” от Николай Терзиев

    Атмосферата в арт центъра е нещо, което трудно може да се опише или улови от камерата. Надявахме се в дните на локдаун да можем поне от части да предадем емоцията, но пожелаваме на всеки ценител на изкуството сам да почувства тази специална енергия на мястото. Бившата фабрика и леко западащия район се оживяват от изкуството, което привлича много туристи. Малко от тях знаят нещо за България, но това за тях е шанс, в този малък работнически белгийски град, разположен сред зърнени поля, да си откраднат малко от нашата култура и история. Изкуството привлича. То някак прескача границите и прави всички много по-близко и лично. Когато гледаме картините по стените на центъра ние знаем с ума си, че сме на 2000 километра от родината на това платно или този арт обект и в същото време в сърцето си го усещаме че разстоянията губят смисъл и отстъпват пред чистите възприятия. Това е колекция, разположена на 5000 квадратни метра изложбена площ, с над 1000 творби на български художници, всяка една със собствена история и право да бъде видяна от целия свят.

    История от Станислав Памукчиев

    За това кой е Юго Вутен няма нужда да разказваме отново. За него има достатъчно биографични сведения и в мрежата, и в центъра в Белгия. За нас единствено има значение, че той е човек, почти никому неизвестен в собствената си страна, воден от любовта към приключенията, природата и изкуството, попаднал във водовъртежа на българския творчески талант. Благодарение на него ние имаме днес добре запазено парче от историята на изкуството, родено в България от последните 30тина години, което подобно на много други наши сънародници е попаднало извън границите на страната, за да открие нови светове. Малка частица от историята на българското съвременно изкуство, обаче, остава скрита в неговата частна семейна колекция, до която ние нямаме достъп и в която сме сигурни че има още много шедьоври. За жалост обаче за нея няма публичен каталог.

    Това пътуване и на платната и на гранитния камък провокира у нас желанието да открием една трибуна за диалог на тема „Колекционирането на изкуството – под мотото Je m’en fous“ – какви са практиките, какви са опасностите, какви са възможностите пред самите колекционери. Този диалог засега се води тихо, посредством пътуващата изложба, която не спира да обикаля малки и независими пространства за изкуство в Европа. Но на нас ни се иска да бъдем по-шумни, да достигнем до повече хора, а насърчим повече хора да мечтаят заедно с оригиналните творби и да не се страхуват да започнат своя собствена колекция още днес.

    История от Калия Калъчева
    История от Павел Койчев

    Станете част от приключението като се включите в проекта „Откъде накъде българско изкуство“ по следните начини:

    *Поканете пътуващата изложба във вашето населено място.

    Изложбата се състои от 9 винила с текст и снимки, видео интервюта за от 3 до 9 монитори или телевизори, арт инсталация #PinkCloudBlast. Разчитаме на вас за техническото обезпечаване на изложбата и настаняването на екипа за времето на откриването и закриването. В този проект се стремим да запазим духа на Юго Вутен и неговото желание да облагородява средата. Ето защо локациите могат да бъдат алтернативни места за изкуство, с достатъчно условие да има ток и евентуално връзка с интернет.  Ако желаете да поканите пътуващата изложба близо до вас, можете да се свържете с нас още сега на: collection [at] 5new.org с тема „Откъде накъде българско изкуство в [име на населеното място]”

    *Подкрепете проекта финансово или материално.

    • Финансова подкрепа под формата на дарения можете да направите като последвайте този QR код.

    Всички средства отиват за планираните за годината пътуващи изложби и семинари на тема „Колекционирането на изкуството“, с цел да се популяризира историята на българското съвременно изкуство у нас и по света. Към момента 5new Artists има сътрудници в Източна и Западна Европа и в САЩ.

    • Техническа и материална подкрепа приемаме с предложения за партньорства и спонсорства в направленията: логистика и транспорт, ДМА, настаняване, кетеринг, заснемане и обработка на кадри, стрийминг. Нашите партньори са винаги добре представени пред обществеността и медиите. Визуалното ви присъствие в онлайн платформата е гарантирано. В допълнение получавате и покритие в официалните социални мрежи на 5new и в личните мрежи от контакти на съ-основателите. Научете още в чат с нас през Messenger или Whats App.
    • Участие в семинарите ни на тема „Колекционирането на изкуството – под мотото Je m’en fous“, ако и вие сте колекционер и запален любител на изкуството и искате да разкажем вашата история пред света, пишете ни на: artpodcast [at] 5new.org или ни последвайте в социалните мрежи и в Подкаста #ArtMatchMakers за още вълнуващи истории от света на изкусвтото.
  • On the trail of Bulgarian art around Europe

    On the trail of Bulgarian art around Europe

    Part 2

    Early in the morning of July 6th, loaded with luggage, handy tools for making what we understand to be an “authentic” documentary and three brand new lamps, we set the GPS to Herentals. And on the way it rained. And it was still planned to visit the sculpture park, located ten kilometers from the art center in Herentals, on the same day. Would we make it? It’s good that we quickly remembered to take out the talisman of this trip – Rada Yakova’s Pink Cloud, which quickly cleared the way in front of us and made the afternoon clear and sunny. We knew that the clouds and rain were only for our benefit. The soft sun would not burn the frames, and the well-washed sculptures would be even more impressive, combined with the fresh aroma of the wet grass.

    “Sorrow” by Nikolay Terziev

    The atmosphere in the art center is something that can hardly be described or captured on camera. We hoped that in the days of lockdown we could at least partially convey the emotion, but we wish every art connoisseur to feel this special energy of the place for himself. The former factory and the slightly run-down area are enlivened by art, which attracts many tourists. Few of them know anything about Bulgaria, but this is a chance for them, in this small working-class Belgian town, located in the middle of grain fields, to steal a bit of our culture and history. Art attracts. It kind of transcends boundaries and makes everyone much more up close and personal. When we look at the paintings on the walls of the center, we know in our minds that we are 2000 kilometers from the homeland of this canvas or this art object, and at the same time we feel it in our hearts that distances lose meaning and give way to pure perceptions. It is a collection, located on 5,000 square meters of exhibition space, with over 1,000 works of Bulgarian artists, each with its own story and the right to be seen by the whole world.

    Story by Stanislav Pamukchiev

    There is no need to repeat who Hugo Voeten is. There is enough biographical information about him both on the web and at his Art center in Belgium. The only thing that matters to us is that he is a person almost unknown in his own country, driven by the love of adventure, nature and art, caught in the whirlpool of Bulgarian creative talent. Thanks to him, today we have a well-preserved piece of the history of art, born in Bulgaria over the past 30 years, which, like many other compatriots, has gone beyond the borders of the country to discover new worlds. A small part of the history of Bulgarian contemporary art, however, remains hidden in his private family collection, to which we do not have access and in which we are sure there are many more masterpieces. Unfortunately, there is no public catalog for it.

    This journey, both on the canvas and on the granite stone, provoked in our country the desire to open a platform for dialogue on the topic of “Collecting art – under the motto Je m’en fous” – what are the practices, what are the dangers, what are the opportunities before the collectors themselves. This dialogue is taking place quietly for now, through the traveling exhibition, which keeps touring small and independent art spaces in Europe. But we want to be louder, reach more people, and encourage more people to dream along with original works and not be afraid to start their own collection today.

    Story by Kaliya Kalacheva
    Story by Pavel Koychev

    Become part of the adventure by getting involved in the “Why in the world Bulgarian Art” project in the following ways:

    * Invite the traveling exhibition to your town or village.

    The exhibition consists of 9 vinyl with text and photos, video interviews for 3 to 9 monitors or TVs, an art installation #PinkCloudBlast. We rely on you for the technical provision of the exhibition and the accommodation of the team for the opening and closing times. In this project we strive to preserve the spirit of Hugo Voeten and his desire to ennoble the environment. This is why the locations can be alternative places for art, provided there is electricity and possibly an internet connection. If you would like to invite the traveling exhibition near you, you can contact us now at: collection [at] 5new.org with subject “Why in the world Bulgarian Art in [place name]”

    *Support the project financially or materially.

    • Financial support in the form of donations can be made by following this QR code.

    All funds go to the traveling exhibitions and seminars planned for the year on the topic “Collecting art”, with the aim of popularizing the history of Bulgarian contemporary art in our country and around the world. Currently, 5new Artists has collaborators in Eastern and Western Europe and in the USA.

    • We accept technical and material support with proposals for partnerships and sponsorships in the areas of: logistics and transport, long-term tangible assets (microphones, cameras and other hardware and software), accommodation, catering, shooting and processing of footage, streaming. Our partners are always well presented to the public and the media. Your visual presence on the online platform is guaranteed. In addition, you also get coverage on the official 5new social networks and on the personal networks of the co-founders’ contacts. Find out more trough our chat in Messenger or Whats App.
    • Participation in our seminars on “Collecting art – under the motto Je m’en fous”, if you are also a collector and an avid art lover and want us to tell your story to the world, write to us at: artpodcast [at] 5new.org or follow our social channel and #ArtMatchMakers Podcast for more stories.