Книгата на художника като арт обект и животът ѝ в изкуството

Книгата на художника е като музей, но без стените – Андре Малро

Книгите са една от по-старите форми за споделяне на информация, идеи, приключения и разбирания за света. Книжното тяло и печатните техники, които се развиват около развитието на книгоиздаването са познати от древни времена на човечеството и никога не са спирали да се развиват през епохите. Примерите са стотици хиляди на най-различни модели, варианти, формати, принципи и съдържания. Книгата има славата на нещо не само полезно, но и с висока художествена стойност. Макар че като цяло книгоиздаването да остава в сферата на занаятите, все пак има примери, особено в света на изкуството, които са с непримирими естетически качества или са направени в много малък тираж, наръка и специално по поръчка за или от художника. 

На 2 април се отбелязва Международен ден на детската книга. Затова не случайно избрахме точно тази дата за старт на новия сезон на 5new за 2023. Тази година ще си говорим много повече за алтернативните форми на изкуство, за книгите на художниците и за каталозите като средство за запазване на художествената памет. Към това ще добавим и видео арта, както и някои художествени коментари около новите технологии и арт-обектите като алтернатива на 2D произведенията. С други думи целта ни за 2023 г. е да се изместим от света на плоското изображение към по-скоро 3D и “моушън” средата в съвременното изкуство.      

Ние всички започваме живота си като деца и първият ни сблъсък със света на книгата са именно детските книжки. Като алегория на това, ако приемем, че може би е добра идея за младия колекционер най-първо да се сдобие с качествени примери от света на изкуството с “книга на художника” като арт предмет, за да пораснат и станат още по-чувствителни към художествените произведения. И в допълнение да надгради с каталожни издания, които разказват историята на художника вече по един по-подреден и дори понякога енциклопедичен, научен начин.

КНИГА НА ХУДОЖНИКА *

*Неофициален темин на български език

Книга на художника е термин, който се използва за произведение на изкуството, в което понякога авторът (художникът) изработва не само съдържанието и илюстрациите, но и всички други елементи на книгата. Книгата на художника, като обект, може да бъде изработена от автора-художник изцяло ръчно в един екземпляр (уникат) или произведена в ограничен тираж (до 150-200 екземпляра), използвайки техниките на авторската печатна графика , принтер, дигитален печат и други техники за малък тираж.

Ето и малко исторически факти. Livre d’artiste (терминът на френски) е френско течение в изкуството, възникнало в началото на 20 век, главно благодарение на усилията на Амброаз Волар. Известният собственик на галерия, Маршан и издател, използвайки формата на книгата във връзка с графичните произведения на известни художници, създават по същество нов жанр, който става един от предшествениците на феномена на книгата на художника. Волар замисля и дава живот на редица високохудожествени публикации. Той привлича към тази работа много известни художници, които не са запознати с каноните на книжната илюстрация. В проекта участват велики майстори като: Бонар, Арп, Миро, Шагал, които илюстрират стихове на не по-малко известни френски автори Маларме, Верлен, Балзак.

С развитието на Авангарда през 20 век, наред с изданията, които запазват традиционната форма на книгата, в концепцията на Книгата на художника влизат още книги-обекти, книги-пърформанси, книги на ленд-арт, реди-мейд, мейл-арт, медийно изкуство и др.

На английски език терминът се среща още като Artists’ books (or book arts or book objects). Но, независимо от езиковата употреба, в същината си тази форма на изкуство е се състои от произведения, които използват формата на книгата и съответно запазват високата си художествена стойност като всяко друго произведение, а следват същите стандарти за опис и оценка както художествените произведения. 

Това ще рече, че една колекционерска книга в малък тираж (или дори уникат), подобно на картините по търговете в Кристис, може да достигне много висока цена. Затова си струва от страна на колекционерите да не пренебрегват този формат (дори в някои случаи изключително удобен и компактен) в изкуството и да го разглеждат също като бъдеща инвестиция. Защото за разлика например от някои формати на Новите медийни технологии и дигиталните изкуства, книгата на художника е лесна за колекциониране и стопанисване.

5new Blog&Podcast – В ателието на художника: осен Марковски – за образа и материала Росен Марковски представя в това видео малка част от неговите арт романи – книги на художника, по които той работи през последните години.

*Можете да заявите своя интерес към тези произведения в нашите чатове в Messenger и WhatsApp.

Книгата на художника винаги следва да се гледа като художествено произведение и съответно като част от художествената колекция и историческото художествено наследство.

В месеците след юни ще допълним тази визия с концепцията за каталозите, които пък често са допълнение към кураторския живот на творбите. За разлика от книгата на художника, каталогът (макар и понякога създаден изцяло от самия художник) няма стойността на художествено произведение, а по-скоро на книжно издание и остава в областта на книгоиздаването и масовия печат. Тази разлика е важна и е съществена. Особено при желание за откупка, тъй като в единият случай – с книгата на художника, дори може (или трябва) да има придружаващ сертификат за автентичност на произведението.  

Напрактика няма себеуважаваща се арт институция, която да не се стреми да попълни и тази ниша в репертоара си. Примери за книги на художниците има в MoMa (виж тяхната колекция тук), V&A Музей – Лондон (виж тяхната колекция тук), Галерия Тет Модерн и др.

Но форматът не просто се развива и надгражда, а печели все повече нови почитатели в света на изкуството през така наречените Art Book Fairs – панаири за книги на изкуството, организирани още през 60те години на 20 век от нестопанската организация Printed Matters в Ню Йорк. 

Това са събития, които по същество са хибрид между комерсиалния търговски панаир на книгата (подобно на знаменития Франкфуртски панаир) и художествената изложба. 

Панаир за арт книги*

*Неофициален темин на български език

Панаир за арт книги е вид куриран художествен панаир или изложба с цел излагане, продажба и работа в мрежа между художници, създатели на художествени книги, илюстратори, писатели, специализирани печатници, независими издатели и тяхната публика. Параметрите за включване варират от панаир до панаир: някои включват само публикации, които сами по себе си се считат за предмети на изкуството, ограничени издания на книги за изкуство, произведения на творци или книги, специално посветени на тема изкуство; други са по-широки, за да включват графични романи, културни списания, творческо писане, поезия и други артистични проекти. Подобно на други панаири на изкуството, панаирът на книги за изкуството включва не само произведения за продажба, но и инсталации на артисти, проекти, събития, семинари, разговори, панелни дискусии или представяне на книги. (референция от тук)

Ето само няколко примера от нашата практика

В тази статия сме ви подготвили няколко примера за книги на художници от нашата сцена, както и ви предлагаме две специални издания на Илияна Кънчева от последните години.

СТЕФАН БОЖКОВ, литофрагии по песни на Робърт Бърнс, 3 x 30 x 15, лимитирано библиографско издание, пленер “Звук и цвят”

Кой е Стефан Боков и още негови творби можете да видите тук. Вижте също истоията на художника в нашия YouTube Channel.

*Можете да заявите своя интерес към тези произведения в нашите чатове в Messenger и WhatsApp.

---

ДЕСИСЛАВА УНГЕР, Дървени книги

Коя е Десислава Унгер и още нейни произведения можете да видите тук.

---

J.PANK, Pank – Bang! Безобразията на 007 (съвместен проект с Калин Терзийски)

Кой е J.PANK и още негови произведения можете да видите тук.

В заключение можем да кажем, че книгата на художника като формат за едно произведение на изкуството не само не е за подценяване, но и е напът да натрупа още повече слава и да обърне вниманието ни към себе си в следващите години. Със сигурност е нещо, а което е добре да следим. Освен това е много подходящ формат за стартиране на колекции от по-неуверените колекционери, а за тези с повече опит дори може да се превърне в отлична инвестиция вбъдеще.

Разбира се, панаирите на изкуството не са единственото място, където можете да намерите книги на художници. Много художници правят изложби, където рекламират и показват своите книги. Например нашите художници от 5new като Росен Марковски, Стефан Божков и Десислава Унгер (виж по-горе) са показали книгите си на различни места в България и Европа по време на различни изложби и ги показват и до днес.

ВИЖТЕ ПРЕДЛОЖЕНИЯТА НИ ЗА КНИГИ НА ХУДОЖНИКА ЗА ДИРЕКТНА ОТКУПКА – април / юни ’23

В тази статия сме ви подготвили две специални издания на Илияна Кънчева от последните години.

Проект Интервюта от Маями: речник, Илияна Кънчева, 2019, книга на художника, видео арт и аудио документалистика

За творбата

В художествено отношение „Интервюта от Маями: речник” се състои от три елемента.
Първият елемент е аудиозаписът на интервютата. Аудиото се възпроизвежда на смартфон, като на дисплея му се показват английски субтитри. Пълният обем на събраните разговори е с продължителност 90 минути. Разговорите бяха изтеглени с помощта на софтуер, специално разработен от автора, базиран на средата с отворен код Open Frameworks. Ключовите думи за всяко интервю също бяха извлечени чрез този софтуер.
Извлеченият текст е оформен в речник – книжно тяло, състоящо се от 320 страници, твърди корици, с размер 18:23 см. Речникът може да се чете, разглежда, разлиства, както всеки друг печатен предмет. Текстовото съдържание в него е представено на три езика, а преводът от единия на другия се извършва чрез платформата за механичен превод на Google Translate. Езикът на интервюирания е водещ за всяко от четирите, а преводът през страницата на Google Translate е за другите два езика. Оформлението включва също цветни и черно-бели илюстрации.
Освен тях е внесен и третият елемент е с видео изображения на малък 10.1” видео екран, на който Илияна показва свои заснети гледки от Маями, пресъздаващи атмосферата на мястото. Звукът от тях е автентичен, изразяващ се в странични шумове и вятър, допълващи картината на самия контекст.

По-подробен кураторски текст на Петя Чалъкова за историята зад това произведение можете да намерите тук.

Инсталацията “Интервюта от Маями: речник” беше представена на “EX 5” – пет години електронно и експериментално изкуство, февруари/март, 2019, Културен център Галилео, Мадрид и в 0GMS – кабинет на SGHH, с куратор Даниела Радева, Март/април 2019, през октомври на DA Fest ’19, в НХА.

Цена за пълното копие от серията (хартиено копие на книга, видео арт, аудио файл, сертификат за автентичност, подарък за спомен) – 120 BNG / 60 euro.

Проект Извън сезона, Илияна Кънчева, 2020 – 2022, фото книга и видео арт

Изображение: Photo book “OUT OF SEASON”, idea, photographs: Iliyana Kancheva, Design: Ralitsa Georgieva, archive by the artist, личен архив.

За творбата

Фотокнигата “ИЗВЪН СЕЗОНА”, дело на визуалния артист Илияна Кънчева, събира колекция от снимки, запечатали абсурдните пейзажи на курорта Слънчев бряг в необичайното му състояние – пусто и самотно, извън сезона.

“Разхождам се по пустите улици, няма никой. Виждат се само остатъци от човешко присъствие, прилежно увити в стреч фолио и прибрани за следващия сезон. Кошчетата за боклук също са празни и гларусите не са заети с това да разпиляват кофички от сладолед наоколо, летят си спокойно над мен. Никакъв звук, освен от птиците и вятъра. Природата все още се чува някъде далеч, но почти не се вижда отвъд оградите, подстригана и сместена в тясна лента около басейна, под шезлонга. Отивам на плажа. Пясъкът и водата все още замайват с блясъка и чистота си но временните постройки са агресивен плевел… Един съсипан пейзаж, който необяснимо ме привлича и ме кара да се връщам при него винаги когато, когато остава оголен и сам – извън сезона.”

Морето едва се вижда на снимките в “Извън сезона”, има го само на три снимки. Това е така, защото авторката е с гръб, докато снима акцентите на човешкото отсъствие.

Книгата на художника е свързана с видеоклип със заимстван текст от рекламен филм за Слънчев бряг от 1977 г. Текстът е преведен от художника и глас, генериран от бот. В много силен контраст с тази реклама, видеото показва една празна не само от вниманието на хората, но и от смисъл и значение хуманизирана зона, която просто съществува за удоволствие на своите посетители.
Като противопоставяне на това е природата, която успокоява, говори с художника и показва най-добрата страна на тази природна зона, когато не е в сезона.

Проектът е допълнение и донякъде продължение на вече представените от Илияна творби в изложбата Party Animal. Можете да припомните 5те селeктирани работи тук, с придружаващия към изложбаа кураторски текст на Петя Чалъкова.

Цената за пълното копие от серията (книга на хартиен носител, видео арт, сертификат за автентичност, подарък за спомен) – 100 BNG / 50 euro.

Можете също така да комбинирате произведенията на изкуството с другите произведения на изкуството от изложбата Party Animals В СЕЗОННО НАМАЛЕНИЕ – 50%.
– Всички творби от колекцията Party Animals: серия 1/10, фотопринт, 2021, 25×25 см, рамкирани, принт върху текстил, 160×80 см, – 150 BNG / 75е (с изображение от колекция по избор на купувача). Вижте колекцията тук.

Някога чудили ли сте се защо хората купуват произведения на изкуството? Просто е! Изкуството ни дава невероятно преживяване и всички по-чувствителни личности искат то да бъде неизменна част от живота им. То понякога може да носи естетическо приятно чувство, може да ни помогне да започнем разговор, да ни вдъхнови, да пробуди нашата креативност и също така да превърне хората в по-позитивни и пълноценни човешки същества. Нещо повече, изкуството е най-добрият личен лечител по време на интензивен стрес. Накратко, причините за колекциониране на произведения на изкуството са много. От сайта Mojarto NDTV ни предлагат да помислим над тези 5 конкретни.

Любовта към изкуството: Много хора придобиват произведения на изкуството въз основа на своя артистичен и емоционален отговор към тях. Фактът, че се чувстват добре и усещат силна връзка с дадена творба, че улавят енергията на образите и че успяват да “чуят” какво има да им каже произведението, е достатъчна причина да го купят. Тези колекционери купуват изкуство, което обичат, което им говори и е визуален израз на това, което намират за смислено.

Страхотна инвестиция: Изкуството е един от най-добрите и най-старите начини да инвестирате парите си. Представете си, че притежавате наистина забележителна творба, която същевременно ще получи значително увеличение на стойността си в бъдеще. Има хора, чието единствено намерение за закупуване на изкуство е да създадат колекция, която да доведе до някаква финансова възвръщаемост. При тях инвестицията не е толкова на емоционална основа, но всъщност тези хора са силно пресметливи и това им дава отличен нюз за произведенията. Обикновено в техните колекции могат да се намерят забележителни образци, които остават културна ценност за цялото човечество. 

Вдъхновение и мотивация: Картините могат да ви вдъхновят, мотивират и изпълнят с нова сила. Тези уникални качества помагат на хората да отворят съзнанието си, за да размишляват и да пробият творческата преграда. Изкуството има потенциала да подхрани въображението и предизвиква чувство на сила, за да предприеме предизвикателни задачи към които иначе не бихме се устремили.

Обогатява околната среда: Изкуството има тенденция да оказва положителен ефект върху околната среда. То може да озарява и трансформира всяка обстановка, като ѝ придава характер и повече топлина. Визуалното наслаждение на пространството, изпълнено с изкусна красота, прави настроението ни приповдигнато, което прави живота по-интересен и обогатяващ.

Подаряване: Въпреки че изкуството е нещо много лично, много хора го купуват като подарък за най-близките си хора, чийто вкус познават и могат да определят лесно при покупката. Независимо дали става въпрос за пазаруване по празниците или за много специален повод, доброто произведение на изкуството създава уникален, обмислен и иновативен подарък, който може да бъде ценен цял живот. Помислете за това, както и да го гледате, изкуството е винаги нещо добро за вас!

Снимка от колекцията на 5new, “Натюрморт”, масло върху ленено платно, 90:110 см, от Захари Черноморски – Моряка

В статия на BBC от 2019 г. Девън ван Хутен Малдонадо се допитва до съвременни художници за това каква е тяхната преценка за бъдещето на изкуството в следващите 20 години. 

В статията се казва, че бъдещето може да е несигурно, но някои неща са неоспорими: изменението на климата, променящата се демография, геополитиката. Единствената гаранция е, че ще има промени, както прекрасни, така и ужасни. Струва си да се помисли как художниците ще реагират на тези промени, както и каква цел служи на изкуството, сега и в бъдеще.

Докладите предполагат, че до 2040 г. въздействието на предизвиканите от човека климатични промени ще бъде неизбежно, което го прави големият проблем в центъра на изкуството и живота след 20 години. Художниците в бъдеще ще се борят с възможностите на пост-човешкия и пост-антропоценовия* – изкуствен интелект, човешки колонии в космоса и потенциална гибел.

Политиката за идентичност, която се вижда в изкуството около движенията #MeToo и Black Lives Matter, ще се разраства, тъй като екологичната тема, граничната политика и миграцията ще стават още по-актуални. Изкуството ще става все по-разнообразно и може да не изглежда като изкуство, или поне да не е това, което ние очакваме. В бъдеще, след като се уморим от това, че животът ни е на показ онлайн, така че да е достъпен за очите на всички и поверителността ни е вече почти загубена, анонимността може да е по-желана от славата. Вместо хиляди или милиони харесвания и последователи, ще бъдем гладни за автентичност и връзка без посредник. Изкуството от своя страна би могло да стане по-колективно и опитно, каквото впрочем вече е в много от съвременните сфери, в много по-голяма степен отколкото индивидуално.

По-приобщаващ свят на изкуството?

Според кураторът Джефрин Хейс все по-често ще ставаме свидетели на рушене на граници между медиите, между видовете изкуство, което е обозначено като изкуство, в традиционния смисъл. “Виждам също, че това е много по-представително за нашата нарастваща и променяща се демография” казва той пред BBC Culture.

Несъмнено изкуството ще отразява още по-надълбоко оформилите се през последния век социални теми – интеграцията, запазването на идентичността, миграционните процеси, въпросите за правата на хората с различна сексуалност и др. 

Активизмът и кампаниите на художници активисти не са от вчера, но вероятно със задълбочаване на въпроса за социалните неравенства активистките групички ще се увеличат и ще предлагат на публиката изкуство, изцяло провокирано да бъде реакция и отговор на несправедливостите. Самото тълкуване на справедливостта вероятно също ще попадне във фокуса на изкуството. 

Живописта (не) е мъртва

След две десетилетия ще изминат 200 години, откакто Пол Деларош възкликва „живописта е мъртва“ и съществуват разумни аргументи срещу това колко актуална е медията като инструмент на авангарда. Оригиналната идея на Деларош е била повтаряна и рециклирана безкрайно, тъй като новите медии са си пробивали път и навън от светлината на прожекторите, но вероятно рисуването ще се задържи на сцената още доста дълго време. Няма да са достатъчни 200 години за да бъде напълно загърбено. 

След 20 години пазарът може да не е много по-различен от днешния – доминиран от модерната живопис. Продажбите на картини все още са основният двигател на аукционните къщи, панаирите за изкуства и галериите, доминирайки във всички рекордни продажби на изкуство. Съвременните картини, направени през първата половина на 20-ти век, продължават да държат класацията за най-желаните и най-скъпите произведения на пазара. Девет от 10-те най-скъпи картини, продавани някога, са направени между 1892 и 1955 г., като единственото изключение е новооткритият Леонардо да Винчи от 1490 до 1519 г., който донесе извънредните 450,3 млн. долара на търг. Тази сума го направи най-скъпото произведение на изкуството, продавано някога. За жалост самият Леонардо не може да се зарада на този си успех, но торбите му продължават да живеят – 500 години по-късно.

Не на последно място от BBC Culture виждат бъдещето на изкуството и в мулти-футуризма

Мейт Борджабад, куратор по архитектура и дизайн в Института по изкуства в Чикаго, казва, че трябва да сме готови да се случат неща, които дори не можем да си предвиди днес. С други думи, не можем да очакваме да предскажем едно бъдеще, но вместо това трябва да се подготвим за много негови разновидности.

Музеят не е просто място за съществуване на нещата, но е платформа за чуване на други гласове. Така че според Борджабад кураторът е посредник, а музеят не е просто място за експониране на изкуство, но и „инкубатор на идеи“ за създаване на нови творби. Може би именно старите произведения ще ни помогнат ние сами да пренапишем историята в множествено число. Да превърнем възможното бъдеще в много нови потенциални реалии. 

През 2040 г. изкуството може да не изглежда като изкуство (освен ако не е живопис), но ще изглежда като всичко останало, отразяващо действителността, ще бъде  колективно, многобройно и разнообразно като самите художници. Ще има артисти-активисти, водещи политически сътресения; ще има официални експериментатори, които ще изследват нови среди и пространства (дори в открития космос), и ще има силни пазари в Латинска Америка, Азия и Африка. Така че в света на културата Западът може да се окаже този път в догонваща роля.

[picture credit] Olafur Eliasson, The weather project, 2003. Turbine Hall, Tate Modern, London

* “антропоцен” или “епохата на човека”

5new Blog e курирано виртуално поле с подкаст за съвременното българско изкуство, в което родните художници разказват за своя художествен свят. Блогът събира на едно място опита на българските творци, скъсява дистанцията между публика и художник и дава нов поглед към изкуството, в дигитална приобщаваща и достъпна среда. Насочен е към широката публика и представя по независим начин актуалната история на съвременното българско изкуство.

В България, медийното поле, което се фокусира изцяло и само на изящните изкуства има накъде да се развива, представяйки по независим начин гледната точка на артистите през призмата на тяхното творчество. Това е важен исторически аспект, особено когато става дума за съвременните ни творци, много, от които в момента са дори по-популярни в чужбина, отколкото у нас. Една причина за това е именно ограничената, често недостъпна среда и липсата на достатъчно възможности за тяхната изява у нас. Целта на 5new Blog е да потърси творческо решение на този проблем чрез виртуално куриране на произведенията, задаване на модел за представяне на художниците, така, както това би се случило в една музейна среда, и неговото запазване посредством съвременните дигитални средства за архивиране. 

Всеки месец ще бъдат представяни български художници в блог среда, с кратък въпросник, акцентиращ върху живота и творчеството им и с кратки видео материали, които представят избрани творби. По този начин блогът ще даде възможност публиката да се запознае с актуалните творци и да получи непосредствен достъп до техния художествен свят. Художници от българската сцена ще бъдат канени да участват всяка седмица също и в подкаст за среща – разговор, изцяло посветен на изкуството и да се включат в сесия с отговори на въпроси от публиката.

В световен мащаб блоговете са популярна съвременна форма на нова медия и по специално в света на изкуството заемат важна роля поради своя независим медиен характер. Съществуват редица емблематични блогове, които оставят трайна следа в историята на съвременното изкуство. Блоговете са свободно поле във виртуалното пространство, в което със структурирана модерация могат да бъдат представени разнообразни обществени гледни точки. Новите мерки за безопасност създават нова среда за творчество и за представянето на това творчество. Независимо от ситуацията, обаче, хората все още имат и ще имат нужда от културни събития. Регулярното посещението на дадено виртуално пространство им дава още една възможност да търсят съвременните български автор и да проявяват интерес към съвременното българско изкуство. 

Бързият достъп, лесната поддръжка, непосредственото общуване и непретенциозният дизайн на блога като медийна форма го правят достъпен за масовата публика. Блоговата естетика се развива от сравнително кратко време, но е подчинена на определени правила към които публиката вече се е приучила. Едно от тези правила е отвореният достъп и възможността за принос от страна на публиката. Затова с този проект се обръща специално внимание именно и на нейното участие. Посетителите могат не само да видят избрани творби на даден автор, но и да чуят разказ за всяка една от тях и за първоизточника на творческото вдъхновение на живо, което носи допълнителна емоция към творбите, прави ги по-познати, по-близки, по-разпознаваеми. 

Накратко, в този аспект 5new Blog представлява комбинация от аудиторно, визуално и интерактивно художествено преживяване за публиката в онлайн средата, с цел популяризиране на някои иначе аналогови форми на изкуството.

Снимка на ptra от Pixabay

Мотивацията, с която художниците създават своите произведения винаги е безценна. Да получиш вдъхновение, да уловиш момента на творческия порив и да създадеш нещо върху изцяло белия лист е неповторимо събитие за всяка творба. Как тогава успяваме да поставим оценка на творбите. Особено на онези, които чисто технически имат сходни или дори идентични характеристики. Кое прави една графика с размер 35:35 по-скъпа от другата графика със същия размер, върху същата канава? 

Големите имена, които се превръщат в образци на изкуството и чиито цени често едва след смъртта им достигат колосални размери – в милиони долари на търгове и пазари на изкуството са отделна тема. 

Тук се фокусираме върху простичкия въпрос за създадената в наши дни картина, която търси възможност да се реализира като творчески продукт пред публиката. От където да започне и нейни път към трупането на социалната значимост. 

Разбира се, от голямо значение при определянето на цената на произведенията има историята на нейния създател. Всяко ново произведение от вече наложен жив артист очаквано ще има по-висока цена от новите произведения на дебютиращите. Като не е задължително обаче качеството е твърде различно. 

Възможно е да имаме такъв нешлифован талант, че още с първите си творби да надминава майстори и свои учители. Въпреки това, липсата на социален капитал, с който този млад талант да се манифестира ще понижи цената на неговия труд. 

В пазара на изкуството има много добре изразен естествен подбор. Тъй като става въпрос за неповторима творческа дейност, която се ражда в безграничното  въображението на създателя на произведението, трудно можем да прилагаме критерии. Макар че, в класическата история на изкуството такива критерии най-вече за естетическото съществуват, днес, след модернизма, тези художествени граници са размити. 

Ето защо на второ място по значимост при определянето на цената идва публиката и обществения вкус. В изкуството има за всекиго по нещо и така е редно да бъде. Отсяването не се случва на ниво право на съществуване, а на ниво класифициране в съответния вкус, в съответните възприятия. Има цели групи от хора, които харесват и купуват един определен тип произведения на една определена цена. И ако художникът не се идентифицира с тази група хора, вероятно няма да ма успех да реализира своето творчество на каквато и цена да предложи картините си. 

Колекционерството в най-общи линии показва именно това предпочитание на един стил пред друг, на конкретни прочити в изкуството, на донякъде визуализация на границите на въображението на артиста. В някои случаи единичните колекционери често имат толкова специфични предпочитания, че почти нямат конкуренция сред купувачите. Понякога дори залагат на един единствен художник, като са склонни да откупят и най-дръзките негови художествени опити. 

Именно тук идва и третият аспект от определянето на цената, а именно отдадеността към изкуството. Доколко пазарът е развит, доколко човек е свикнал, приучен, склонен и възприел практиката да купува произведения, така както си купува книги, билети за концерти и всички други блага на културната сфера.

В крайна сметка говор за една твърде емоционална сфера, която винаги се стреми да провокира нашето отношение към света, към природата, към съкровенните ни мисли и чувства. Повечето наръчници за определяне на цената на дадено произведение съветват да се избягва емоционалния фактор, но всъщност това е невъзможно. Със сигурност има творби към които художникът е по-сантиментален. Може би са създадени в много важен за него период, може би са отражение на събития, които изцяло са преобърнали света му. Ето защо и самият художник може да иска да придаде допълнителна стойност на тези творби. Дали еквивалента на тази добавена стойност ще е финансово измерима или пък той ще вземе решението да не продава произведението – това вече е друг въпрос. Но ключов момент винаги остава емоционалната нагласа, вложена в дадената творба. 

Не на последно място значим фактор за цената на изкуството е времето! Не просто вложеното време за изработка на творбата (което донякъде може да бъде обвързано и с размера), но също и времето на отлежаване. За разликата от доброто вино, за картините не винаги ще е актуално мотото за отлежаването. По-стари творби, оставени в ателието на художника могат да се превърнат в значими в редки ситуации, когато те са част от изграждането на образа на вече разпознат и популярен творец. В други случаи, драскулките и рисунките от ранните опити на художник, които изцяло е променил стила си и възгледите си, могат да се окажат незрели опити. 

Подобни провокативни ситуации могат да се окажат предизвикателство за твореца и да го подведат излишно да занижи цените си, както и подцени самия себе си. Това е далеч по-лошия вариант от опасността да поиска висока сума за творбите, които са му важни и на които държи. 

Цената на изкуството не се определя просто с един замах на случаен принцип. Тя е съвкупност от редица фактори, само част от които са изброени по-горе. Наред със субективните, има и чисто обективни, икономически, социални и културни фактори, характерни за самото време , в което е създадена творбата. Това, което обаче може да се определи с един поглед е желанието ни да притежаваме този малък лъч въображение, които художникът спуска към нас и който вероятно ни е осветил само в миг със своята енергия. Чувството, че дадено произведение е част от теб, че ти принадлежи, че чрез този художествен образ ти споделяш частичка от безкрайния порив на твореца е наистина безценно. И, да, понякога сме склонни да платим висока цена за да го задържим завинаги.

Снимка от колекцията на 5new: Рада Якова, ne me quitte pas, акрил върху канаваца
размер: 140×180 см
Запитване за картината можете да направите тук и чрез формата за контакти.